“Chicano/a/x Prints and Graphics: Selections from the Hispanic Research Center’s Collection, 1980–2010” showcases a partnership between ASU’s Hispanic Research Center (HRC) and ASU Art Museum and brings together works from the 1980s into the 2010s drawn from the HRC’s dynamic collection. Featuring over 30 artists who each offer a kaleidoscope of perspectives on the Mexican American experience, this year-long exhibition pays homage to the ideals of the Chicano Movement of the 1960s and 70s and expands upon them through the widely disseminated medium of prints. Presented in two parts, this unique exhibition underscores how Chicano/a/x artists have employed prints and graphics to build community, engage with social concerns, and interrogate shifting notions of political and cultural identity over time.
Artists in the first rotation include: Celia Alvarez Muñoz (United States, b. 1937), Alfredo Arreguín (United States, 1935–2023), Samuel Baray (United States, b. 1938), Candace Briceño (United States, b. 1971), Rolando Briseño (United States, b.1952), Vibiana Chamberlin (United States, b. 1942), Sam Coronado (United States, 1946–2013), Margarita “Mita” Cuarón (United States, b. 1952), Gaspar Enriquez (United States, b. 1942), Dolores Guerrero-Cruz (United States, b. 1948), Ester Hernández (United States, b. 1944), Yolanda Lopez (United States, 1942–2021), César Martinez (United States, b. 1944), Salvador Roberto Torres (United States, b. 1936), D. Rose, Annette Maria Sexton-Ruiz (United States, b. 1958), Patssi Valdez (United States, b. 1951) and Larry Yáñez (United States, b. 1949).
“Chicano/a/x Prints and Graphics: Selections from the Hispanic Research Center’s Collection, 1980–2010” is organized by ASUAM Senior Curator Alana Hernandez and ASUAM Curator Brittany Corrales and is made possible by funding provided by the Evelyn Smith Exhibition Fund. Additional funding is provided by ASU’s Hispanic Research Center and The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. The exhibition is presented in collaboration with a Community of Practice composed of Carla Chavarria, Community Building Director, Iconico, and Carla León Celaya, PhD candidate in the Spanish Department at the School of International Letters and Cultures, ASU.
Chicano/a/x Prints and Graphics Audio Guide
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Stop 1: Isabel Martinez, “VG Got Her Green Card”
English
This piece is by Isabel Martínez. The title is “VG Got Her Green Card,” and it is a silkscreen. Isabel Martínez came to California from Mexico in the early 1980s to pursue a better life for herself, and much of her artwork is an expression of her life as an immigrant. She is deeply conscious of the difficulties faced by a Mexican trying to fit in with the majority culture without losing her soul. In this mixed media piece, she depicts the Virgin of Guadalupe’s experiences as identical to those of so many immigrants who have come to this country.
Martínez knows her well–well enough to call her by her initials. The composition is of the Virgin’s face as she holds up her new Green Card documentation. VG looks directly at the viewer, smiling broadly and proudly displaying the proof of her acceptance as a legal resident in the United States.
Martínez uses bright colors to establish a bold and upbeat atmosphere. Departing from the traditional, respectful, yet distant depiction of the Virgin, Martínez also establishes a humorous tone by connecting this religious icon with the contemporary world of Los Angeles and the daily cares of the average person. The Virgin of Guadalupe once functioned as a bridge between the Aztec and Hispanic belief systems. In Martínez’s vision, she now bridges the gap between traditional Mexican life and contemporary Chicano existence in the United States.
Español
Esta composición es por la artista Isabel Martínez. El título es “VG Got Her Green Card”, y es una Serigrafía. Isabel Martínez llegó a California desde México a principios de la década de 1980 en busca de una mejor vida, y gran parte de su obra artística es una expresión de su vida como inmigrante. Isabel es profundamente consciente de las dificultades que enfrenta un inmigrante que trata de encajar en la cultura de los Estados Unidos sin perder el alma. En esta composición, la artista describe las experiencias de la Virgen de Guadalupe como idénticas a las de la gran mayoría inmigrantes que han llegado a este país.
Martínez conoce lo suficientemente bien a la Virgen como para llamarla por sus iniciales. La composición muestra el rostro de la Virgen sosteniendo su nueva tarjeta de inmigración, mirando directamente al espectador, sonriendo ampliamente y mostrando con orgullo la prueba de su aceptación como residente legal en los Estados Unidos.
Martínez utiliza colores brillantes para crear una atmósfera atrevida y alegre. Apartándose de la representación tradicional, respetuosa pero distante de la Virgen. La artista también establece un tono humorístico al conectar este ícono religioso con el mundo contemporáneo de Los Ángeles y las actividades diarias de la persona regular. La Virgen de Guadalupe alguna vez funcionó como un puente entre los sistemas de creencias azteca e hispano. En la visión de Martínez, ella ahora tiende un puente entre la vida tradicional mexicana y la existencia chicana contemporánea en los Estados Unidos.
Stop 2: Leo Limón, “Morena y Quetzalcoatl”
English
This piece is by Leo Limón, “Morena y Quetzalcoatl.” It’s a silkscreen produced in 2001. A “Morena” is a dark-skinned woman, and the word carries a feeling of affection. Quetzalcoatl is one of the main gods of Toltec culture, later adopted by the Aztecs. This god is often shown as a plumed serpent.
In this display, a Morena sits alone on one side of a bench, perhaps waiting for a bus. Behind her is a wall with faded, simple images, giving a sense of age. Next to her, on the back of the bench, is a bright painting of the plumed serpent, the symbol of Quetzalcoatl.
The wall behind her looks like an old mural, but some graffiti has been added to the upper part, where the sky once dominated the scene. In the painting on the bench, you can see a pre-Hispanic temple and a snow-covered volcano in the background.
Interestingly, there’s a connection between the Morena and the image of Quetzalcoatl. Her long hair is tied up and spreads outward from her head, resembling the feathers of the Quetzal Bird. These feathers are also shown on the serpent’s body in the painting.
At first glance, the woman and the street art might seem unrelated. But the artist has carefully arranged them to draw parallels. The viewer can clearly see the connections—like the similarity between the woman’s hair and the serpent’s feathers—making the work rich with symbolic meaning.
Español
Esta composición es por la artista Leo Limón. El título es “Morena y Quetzalcóatl”. Es una serigrafía. Una Morena es una mujer de piel oscura, y la palabra conlleva un sentimiento de cariño. Quetzalcóatl es uno de los principales dioses de la cultura tolteca, adoptado posteriormente por los aztecas. Este dios a menudo se muestra como una serpiente emplumada.
En esta composición, una Morena se sienta sola al lado de un banco, tal vez esperando un autobús. Detrás de ella hay una pared con imágenes simples y descoloridas, que dan una sensación de antigüedad. Junto a ella, en el respaldo del banco, hay una pintura brillante de la serpiente emplumada, símbolo de Quetzalcóatl.
La pared detrás de ella parece un viejo mural, pero se han agregado algunos grafitis en la parte superior, donde una vez el cielo dominaba la escena. En el cuadro del banco se puede observar un templo prehispánico y al fondo un volcán cubierto de nieve.
Curiosamente, existe una conexión entre la Morena y la imagen de Quetzalcóatl. Su largo cabello está recogido y se extiende hacia afuera de su cabeza, semejante a las plumas del pájaro quetzal. Estas plumas también se muestran en el cuerpo de la serpiente en la pintura.
A primera vista, la mujer y el arte callejero pueden parecer que no se relacionan. Pero el artista los ha ordenado cuidadosamente para establecer aspectos paralelos. El espectador puede ver claramente las conexiones, como la similitud entre el cabello de la mujer y las plumas de la serpiente, lo que hace que la obra sea rica en significado simbólico.
Stop 3: Alma López, “Chuparosa”
English
The title of this piece is “Chuparosa,” by the artist Alma López. It’s a silkscreen created in 2002. The “Chuparosa,” or hummingbird, is the smallest but fiercest bird. It flies from flower to flower, collecting the sweet nectar it needs to survive. Despite its size, the hummingbird is brave and bold, often attacking creatures much larger than itself.
The artist chose the hummingbird as a symbol of strength, and the need to nurture—and be nurtured—by the people we love.
In the image, a young woman stands confidently, imitating the pose of a hummingbird. With her hands on her hips—not her pelvis—she reverses the typical pose of the Earth Goddess. This stance is meant to show defiance against traditional gender roles and societal expectations.
On her shirt, there is an image of two pre-Columbian women holding each other, drawn in a codex-like style. The young woman proudly expresses her individuality. She dresses and styles her hair how she likes and, most importantly, loves whomever she chooses.
Through this “urban goddess,” the artist honors “Latina butch dykes,” celebrating them as trailblazers and symbols of liberation. The image encourages everyone to embrace their unique identity and live authentically.
Español
Esta composición fue creada por la artista Alma López. El título es “Chuparosa”, y es una serigrafía. El chuparosa, o colibrí, es una de las aves más pequeñas, pero de un temperamento feroz. Vuela de flor en flor, recogiendo el néctar dulce de las flores que necesita para sobrevivir. A pesar de su tamaño, el colibrí es valiente y audaz, y a menudo ataca a criaturas mucho más grandes que él.
En esta composición, la artista escogió al colibrí como símbolo de fuerza y de la necesidad de nutrir y ser nutridos por las personas que amamos.
En la imagen, una joven se encuentra de pie, segura de sí misma, imitando la pose de un colibrí. Con las manos en las caderas (no en la pelvis), invierte la postura típica pretendiendo desafiar a los roles de género tradicionales y las expectativas sociales.
En su camisa hay una imagen de dos mujeres precolombinas abrazadas, dibujada en el estilo de las imágenes de los códices. La joven expresa con orgullo su individualidad. Se viste y peina como quiere y, lo más importante, ama a quien quiere.
A través de esta “diosa urbana”, la artista rinde homenaje a las “Latina butch dykes”, celebrándolas como pioneras y símbolos de liberación. La imagen anima a todos a abrazar su identidad única y vivir auténticamente.
Larry Yáñez (United States, b. 1949), “Cocina Jaiteca”, 1998. Serigraph, 47 x 34 in. Courtesy of the Hispanic Research Center, Arizona State University. © Larry Yáñez
